Da matéria à arte.

Helena Brízido nasceu em Moçambique e iniciou o seu percurso artístico em São Paulo, em 2005. Formou-se em cerâmica no Ar.Co, entre 2008 e 2012, onde ganhou uma bolsa no primeiro ano de projeto e onde leciona desde 2014. Foi convidada como docente para o workshop de John Evans em 2013. É fundadora do Artestoril, no Estoril, o atelier onde desenvolve e ensina o seu trabalho.

A sua formação especializou-se por via de mestres internacionais: vidrados com Manuel Keller, em Madrid; raku alternativo com Eduardo Lazo, em Itália, e com John Evans, em Inglaterra; moldes de gesso com Sasha Wardell; e cerâmica arquitetónica com Peter King.

Trabalha em grés e porcelana, com técnicas mistas e cozedura de redução a alta temperatura, e uma investigação centrada no tratamento de superfície. A matéria que procura está quase toda fora da cerâmica: as cores térreas das falésias, a madeira envelhecida, o ferro e o cobre oxidados, a rocha erodida, as patines que o tempo deposita sobre as coisas. São todas marcas de tempo, e é no fogo, em cozeduras sucessivas, que ela as fixa, muitas vezes até ao ponto em que deixa de ser evidente de que material a peça é feita.

Expôs individualmente na Galeria AZ, em Lisboa, na Escola de La Moncloa, em Madrid, e na Galeria Quadras Soltas, no Porto. Participou em coletivas no Mosteiro dos Jerónimos, no Museu da Cidade, no Palácio das Galveias e na Galeria da Quintinha.

Sobre o seu trabalho, escreve: «Trabalhar objetos de arte com argila torna-se revolucionário e transgressor. A minha mão, enquanto ceramista, procura ainda hoje encontrar um lugar nesta dualidade entre a arte, reconhecida, e o artesanato, desprezado. É com esta alquimia, da arte da terra e do fogo, que tento reproduzir uma linguagem contemporânea. Convenço-me que encontrei na argila uma ligação cósmica onde eu e o universo fazemos parte da mesma vida.»

Alberto Bustos nasceu em Valladolid, em 1972, e trabalha em Tarragona. É autodidata: chegou à cerâmica por acaso, através de um curso, e construiu sozinho, ao longo de mais de vinte anos, as técnicas que hoje o distinguem. Integra a Academia Internacional de Cerâmica e foi distinguido como Honorable Master na China.

Modela exclusivamente à mão, sem qualquer meio mecânico. A técnica que desenvolveu, a que chama lanzamiento, produz filamentos de secção muito fina, planos ou geométricos, que monta um a um até formar as suas paisagens vegetais em grés e porcelana. Aplica pigmentos e vidrado sobre a argila ainda húmida, o que lhe permite cozer em monocozedura e continuar a modelar até ao último instante.

Em 2014 venceu o 34.º Concurso Internacional de Cerâmica de l'Alcora e o Prémio Ciudad de Valladolid. Recebeu ainda o primeiro prémio do MAGRAMA, o segundo da Bienal de Talavera de la Reina e o Prémio do Público da Bienal de Esplugues. Expôs individualmente no Museu de Cerâmica de l'Alcora e participou em coletivas no Museo Nacional de Cerámica de Valência, no Museu do Design de Barcelona, no Keramikmuseum Westerwald, no Museu Nacional da Eslovénia e na Bienal de Arte Cerâmica Contemporânea de Roma. Trabalhou em simpósios internacionais na Tunísia, no Egito, na Letónia, no Japão e na China.

Desde 2014 dá workshops e masterclasses em mais de vinte países. Sobre isso diz apenas: «Quando comecei a ensinar percebi que gosto deste lado didático e pedagógico, aprendo muito e adoro fazê-lo.»

Sobre o seu trabalho, escreve: «Autodidata como sou, nunca sonhei que a minha paixão pela cerâmica se tornasse o meu modo de vida e me desse este sentido. Talvez tenha sido a atração inata pela natureza que me empurrou para o chão, para me fundir com a terra, a nossa verdadeira essência. Através da natuRareza mergulho na psique vegetal para me ligar aos seus sentimentos atormentados, resultado direto da degradação do ambiente que nós, humanos, habitualmente causamos. A minha esperança é que as minhas peças toquem quem as vê e nos inspirem a reverter o mal que estamos a infligir a nós próprios.»

«Liberdade, a minha técnica mais depurada.»

Luciana Cravo trabalha em cerâmica a tempo inteiro há mais de dez anos. Formou-se em Cerâmica no Ar.Co, em Lisboa, e desde então tem-se especializado em construção manual e tratamento de superfície com ceramistas como Rebecca Appleby, James Oughtibridge, Craig Underhill, Paul Wearing, Alberto Bustos e Juan Ortí, e em química de vidrados com Linda Bloomfield.

Antes da cerâmica, fez um mestrado em Psicologia Social e das Organizações na London School of Economics e licenciou-se em Psicologia na Universidade de Lisboa, um percurso que se reconhece na atenção que dá ao gesto e ao modo como cada pessoa aprende.

Expôs em Lisboa, Sintra, Setúbal, Oeiras, Londres, Veneza e Goiânia. Ensina desde 2021 e fundou em 2022 o Atmosfera 21, o seu atelier em Lisboa.

Sobre o seu trabalho, escreve: «O meu trabalho nasce do diálogo entre a natureza e as minhas mãos. A natureza não é apenas inspiração: entrega-me a sua energia indomável, e eu procuro transmitir essa força diretamente ao barro, matéria viva, capaz de guardar memórias.»

Laura Oliveira, conhecida por Lu, chegou à cerâmica durante a licenciatura em Pintura, na Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa. A partir daí foi procurando as técnicas onde a matéria se impõe: a pintura de azulejo tradicional português, na 3 Pereira, na Golegã, e a olaria, através do Programa de Artistas Emergentes, no Atelier Retiro, em Guimarães. Frequenta atualmente o Mestrado em Escultura na mesma faculdade, onde o seu estudo se reparte entre o vidro e a cerâmica.

O seu trabalho começa antes da forma. Começa no balde, na balança e na barra de retração. Interessa-lhe a argila enquanto composição, o que a torna plástica, quanto encolhe do verde ao cozido, a que temperatura deixa de ser barro e passa a ser cerâmica, e por isso parte das matérias-primas em vez de partir do saco fechado. Formula pastas e vidrados, mede o que acontece, regista e repete com uma variável mudada de cada vez. É dessa disciplina de laboratório que nasce a parte menos previsível do processo: a procura de pastas e de superfícies que ainda não existem, ou que existem apenas naquele ensaio e naquela cozedura. O que corre mal não é acidente a corrigir, é informação, e é muitas vezes o ponto de partida da peça seguinte.

Expôs em Mousa (2022), Anamnese II (2023), Da Minha Terra (2025) e Não há mapa para quem está a ser caminho (2026).

João Catarino nasceu em Lisboa, em 1965. É licenciado em Design de Comunicação pela Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, e completou a formação com o Curso de Desenho do Ar.Co e o Curso de Cinema de Animação do CITEN, na Fundação Calouste Gulbenkian.

Trabalha sobretudo em ilustração, para jornais, revistas e televisão. Colabora regularmente com o Público, onde durante anos ilustrou as crónicas de Lisboa e a Semana Ilustrada.

O desenho de viagem é o centro do seu trabalho. Está representado em livros nacionais e internacionais sobre diários gráficos e cadernos de viagem, e apresenta esse trabalho em escolas, universidades, instituições e galerias. Foi formador em vários simpósios internacionais dos Urban Sketchers. É autor do livro EN2 e coautor de «Diário de Viagem em Lisboa» e «Tanto Mar».

Ensina há muitos anos. É professor de Desenho no Ar.Co, professor de Design e Ilustração na ESAD das Caldas da Rainha e professor assistente convidado de Desenho e Ilustração na Faculdade de Belas-Artes de Lisboa, onde é também monitor do Curso Livre de Ilustração. Foi monitor dos Cursos Livres de Ilustração na Gulbenkian.

Célia Macedo é oleira e artesã certificada, e vive e trabalha em Montemor-o-Novo, no Alentejo. Dedica-se há seis anos à olaria contemporânea de roda, aliando técnica apurada, funcionalidade e apelo estético. Traz para a argila o rigor de uma carreira em arquitetura e investigação académica entre Portugal e o Reino Unido, onde se doutorou pela Oxford Brookes University. A esse rigor junta uma aprendizagem longa e exigente junto de mestres oleiros, na essência da tradição.

O seu trabalho está presente em restaurantes de alta cozinha e com estrela Michelin. Propõe uma nova presença para formas ancestrais, sem as diluir, e afirma o lugar do feminino numa arte de tradição masculina. Assente na sustentabilidade e em práticas locais, tem no «saber bem fazer» o verdadeiro mote para a criação. Foi finalista dos Prémios Cargaleiro em 2026 e do Prémio Nacional de Artesanato em 2021 e 2025.

Deu formação de cerâmica e olaria no IEFP e CEARTE e desenvolve investigação de pós-doutoramento na Universidade de Évora sobre cerâmica utilitária contemporânea e políticas culturais. Escreve regularmente sobre a prática artesanal contemporânea, no P3 do Público e no seu Substack, studio life by Célia Macedo. Aborda a profissionalização, a sustentabilidade económica e os desafios de construir uma prática de atelier, cruzando a experiência de quem vive do artesanato com uma reflexão crítica sobre o seu lugar no mundo contemporâneo.

Ana Felipe Royo nasceu em Madrid, em 1965. É artista plástica, diplomada na especialidade de cerâmica pela Escola Superior de Design e Arte de Valência, onde estudou com Enrique Mestre. Formou-se desde a infância em Saragoça, nos ateliers de Serrate e de José Luis Cano, e começou os estudos na Escola de Artes da cidade antes de se mudar para Valência. Tem formação alargada noutras disciplinas: pintura, fotografia, escultura e gravura.

Em 1988 participou no seminário com David Leach, em Muel, e recebeu uma bolsa para o Seminário de Estudos Cerâmicos de Sargadelos, onde trabalhou com Arcadio Blasco e Vilma Villaverde. No início dos anos 90 entrou na gravura pelo atelier do coletivo Antxesaleak, na Biscaia, e aprendeu serigrafia cerâmica com José Mª Sáez de Ocáriz, em Bilbau. Completou mais tarde a formação em gravura com Monir e Julio León, no atelier Antonio Saura de Fuendetodos, e em litografia com Silvia Pagliano, na Escola de Artes de Saragoça.

Trabalhou como artista criativa e fotógrafa para editoras como a RBA, a Altaya, a Planeta e a Orbis. Vive e trabalha numa casa-atelier em Villanueva de Huerva, em Saragoça, com espaços para as três disciplinas que alterna há anos: gravura, cerâmica e fotografia. Expôs individual e coletivamente em salas, galerias e museus de Espanha, do Japão, de França, da Alemanha, de Marrocos, dos Estados Unidos e da Colômbia. Nunca lhe interessou concorrer a prémios.

Há quase quarenta anos que divide o trabalho de atelier com a investigação e o ensino. Deu cursos na Escola-Oficina de Cerâmica da Deputação de Saragoça, em Muel, na Fundação Miró de Palma de Maiorca, na Escola Industrial de Barcelona, na Escola de Cerâmica da Moncloa, em Madrid, na Escola de Cerâmica de La Bisbal, nas Escolas de Design e Artes de Tortosa, Castellón e Saragoça, na Universidade do Tolima, na Colômbia, e na Associação da Galiza para o Artesanato. Há uma década que ensina todos os anos no mestrado «Cerâmica e Função», do departamento de escultura de Belas-Artes de Bilbau. Foi mestra e programadora do Atelier de Gravura Antonio Saura, da Fundação Fuendetodos-Goya, onde organizou cursos de iniciação e seminários de especialização.

Juan Ortí García nasceu na Corunha em 1974 e formou-se em cerâmica na Escuela de Artes y Oficios de Valencia, entre 1996 e 2001, concluindo o projeto final na Universidade da Lapónia, em Rovaniemi, com uma bolsa Erasmus. Integra a Academia Internacional de Cerâmica, com sede em Genebra.

O seu percurso é indissociável da Bienal Internacional de Cerâmica de Manises, onde foi distinguido seis vezes ao longo de duas décadas, do Prémio Ciudad de Venissieux em 2003 ao primeiro prémio em 2024. Recebeu também o Prémio L'Alcalatén no Concurso Internacional de l'Alcora, o Prémio Ciutat d'Esplugues e distinções no CERCO de Saragoça e na Bienal do Vendrell.

Trabalhou em simpósios e residências artísticas em Gmunden, na Áustria; em Oberá, na Argentina; em Santiago do Chile; no Centro Nacional de Cerâmica de Sidi Kacem Jélizi, na Tunísia; no Goseong International Raku Festival, na Coreia do Sul; e em Deidesheim, na Alemanha, onde regressa regularmente desde 2015. Na China, foi artista residente no Museu FLICAM de Fuping, no programa JAEA de Jingdezhen e no workshop Blanc de Chine de Dehua.

Expôs individualmente no Palau de la Música de Valência, na Fundación Laxeiro em Vigo, no Museu de Albarracín, no Piramidón Centre d'Art Contemporani de Barcelona, na galeria Modern Shapes de Antuérpia e, em 2026, no Museu MUMAC de Manises. A sua obra integra as coleções do Museo Nacional de Cerámica González Martí, do Musée Magnelli de Vallauris, do Danmarks Keramikmuseum Grimmerhus, do Keramikmuseum Gmunden, do HUA Art Museum de Shenzhen, do Museum Neunkirchen e da State Art Collection of Ireland, entre mais de vinte coleções públicas e privadas.

Adma Corá é ceramista há mais de 35 anos e trabalha no Espaço Adma Corá, em Porto Alegre, no Brasil. Começou na cerâmica como forma de aliviar a tensão e, em 1999, a paixão tornou-se profissão. Mantém um atelier onde dá aulas e produz peças por encomenda e para a sua loja, com envio para todo o país.

O seu trabalho atravessa o utilitário, o decorativo e a peça de autor, e tem na cor o seu campo de investigação. Estuda em profundidade os óxidos e os corantes, e é desse trabalho continuado que nascem as suas linhas, como a Cobalto e a Terra Azul, em que a mesma matéria é levada a dar respostas diferentes.

Ensina no atelier e em cursos online, acompanhando ceramistas espalhados por todo o Brasil. Procura aproximar a técnica da cerâmica da vida das pessoas e criar um ambiente aberto à troca e à aprendizagem.

Flavia Pircher é ceramista, artista visual e investigadora. É mestre em Artes Visuais pela Universidade de São Paulo, com especializações pela Universidade Estadual de Campinas e pela Universidad Nacional de las Artes, e tem ainda formação em Pedagogia, com especialização em administração e coordenação escolar. Depois de dezassete anos na educação formal, dedica-se há mais de vinte e dois anos à cerâmica e ao seu ensino.

A sua investigação centra-se nos processos de impressão e transferência de imagem na cerâmica, articulando técnica, linguagem e identidade.

Expôs na Bienal da América Latina, na Argentina, na Galeria La Pigna, no Vaticano, no Carrousel du Louvre, em Paris, no Museu Nacional de Menemen, na Turquia, e no Templo da Poesia, em Oeiras. Participou em residências artísticas no Japão, na Áustria, em Taiwan e no Chile, e foi artista convidada no festival de cerâmica da Turquia.

Apresentou trabalho em cinco edições do Contaf, o Congresso Brasileiro de Cerâmica, coordenou cozeduras em praça pública no Festival de Cerâmica de Cunha e foi selecionada dois anos consecutivos para a NCECA, o congresso norte-americano de cerâmica. Em 2025 foi artista convidada do Lufapo-Hub, em Coimbra, e integrou o Oeiras CeramicArt como embaixadora, em representação do congresso internacional de cerâmica.

Recebeu a Moção de Aplausos da Câmara Municipal de Vinhedo e foi selecionada para integrar o livro Circuito das Frutas, organizado pela Secretaria de Turismo do Estado de São Paulo.

Mantém o canal Flavia Pircher no YouTube, onde partilha conhecimento técnico sobre cerâmica. Fá-lo por convicção: o saber só tem valor quando é partilhado, e o acesso à informação devia estar ao alcance de quem quiser aprender.

Duarte Galo é designer de produto e ceramista, e trabalha em Azeitão. Toda a sua produção passa pelo molde. É a partir dele que desenha, prototipa e repete, e é essa a lógica que atravessa o trabalho: da ideia ao modelo, do modelo ao molde, do molde à série.

Formou-se em Design Industrial na ESAD, nas Caldas da Rainha, e foi a vontade de conhecer melhor os materiais que o levou à cerâmica. Especializou-se no CENCAL, com o curso de técnico especialista em Cerâmica e Vidro, nas Caldas, e formação avançada em vidrados e corantes, em Alcobaça. Trabalhou depois no desenvolvimento e criação de produto na JB Ceramics e foi designer de cerâmica na Coroa – Arte e Cerâmica, ambas em Alcobaça, onde o molde é a base da produção. Desenhou também joalharia na ACIUM, entre Cascais e Lisboa.

Fundou a Duarte Galo Ceramics em 2021, onde faz peças decorativas e utilitárias em que a forma e a cor vivem em conjunto. É esse o seu tema: o equilíbrio entre a cor e a forma, afinado peça a peça. Trabalha em SolidWorks e AutoCAD, o que lhe permite levar o desenho técnico até ao modelo e ao molde sem intermediários.